La Commedia dell’Arte (italiano: “L’arte della commedia”) è una forma di teatro di improvvisazione iniziata in Italia nel XVI secolo, rimasta molto popolare per tutto il XVIII secolo e viene rappresentata ininterrottamente. Fin dai suoi primi tempi, le esibizioni sono prive di copione, si tengono all’aperto e impiegano pochi oggetti di scena. Sebbene non vi sia alcuna quota di ammissione per assistere agli spettacoli, gli artisti sono regolarmente supportati dalle donazioni del pubblico. I personaggi sono identificati dai costumi, dalle maschere e dagli oggetti di scena che hanno usato. I primi personaggi includevano gli antenati del clown moderno, vale a dire Arlecchino (inglese per arlecchino) e Zanni

La commedia dell’arte si rivolge alle masse, senza riguardo per lingua, nazionalità o status sociale. In modo simile, le forme universali di intrattenimento hanno continuato a essere popolari nel corso dei secoli.

La Commedia dell’arte ha una lunga storia originata nelle strade e nelle piazze del mercato del primo Rinascimento italiano, anche se le sue radici possono essere fatte risalire ancora più indietro, fino all’antico teatro greco e romano.

Gli artisti di strada italiani indossavano maschere dai tratti comici esagerati. Attirano ulteriormente l’attenzione su se stessi con tecniche fisiche e acrobatiche. Questi attori si sono formati in compagnie itineranti, alcune delle quali avevano palchi portatili che portavano di città in città. Queste compagnie in genere includevano una decina di attori: sette uomini e tre donne. Al contrario, molte altre forme di teatro all’epoca escludevano completamente le donne. Questi attori hanno lavorato senza sceneggiature, seguendo solo scenari scritti che delineavano l’azione. Avrebbero quindi adattato lo spettacolo al particolare pubblico della regione in cui si stavano esibendo.

La commedia dell’arte in Italia si affermò saldamente come genere distinto verso la metà del 1500, con l’apice della sua popolarità che si estese dal 1550 al 1750 circa. Negli anni successivi, la tradizione si diffuse in altre parti d’Europa, assumendo un significato significativo influenza francese.

I giocatori hanno reso le loro esibizioni accessibili a tutte le classi sociali, rimuovendo il linguaggio come barriera attraverso l’uso di abili tecniche di mimo, personaggi universalmente comprensibili, gag e scherzi tradizionali, maschere identificabili, ampia commedia fisica e dialoghi improvvisati su misura per ogni pubblico. Dopo aver guadagnato popolarità in Francia, l’influenza della commedia dell’arte si è fatta sentire su spettacoli rappresentati in altri settori del teatro francese, in particolare nell’opera di Molière e nella sua commedia, Tartufo, che includeva molti scenari di commedia. I personaggi della commedia di serie che compaiono in Tartuffe sono stati adottati anche in opere drammatiche in altri paesi, fino ai giorni nostri.

Gli spettacoli di Commedia dell’arte erano una combinazione unica di elementi scenografici ed estemporanei. Lo schema generale, i personaggi e le loro relazioni, così come l’esito della situazione, sono stati tutti decisi prima dell’inizio della rappresentazione, utilizzando personaggi standard e trame provate e vere. Ogni rappresentazione iniziava con un prologo ed era divisa in più atti. Agli attori è stato richiesto di impiegare i loro notevoli talenti per completare i restanti dettagli della storia e mantenere l’attenzione del pubblico. Ciò richiedeva che gli artisti della commedia dell’arte fossero abili in battute fluide, sorpresa, chiarezza e arguzia. Gli attori hanno scelto le loro parole con cura per produrre l’effetto desiderato – far ridere o piangere il pubblico – e le loro battute scorrevano con un ritmo costante e preciso come un gioco di spade. I migliori di loro hanno impregnato i loro ruoli di individualità, freschezza e brillantezza, conferendo valore alle produzioni che, di per sé, avevano poco valore.